而录音室则不太一样，录音室可以不出错，这也导致演奏家在弹奏的时候，认知与心态与在现场时完全不同。
在录音中如果有技术失误或者错音，那是巨大的耻辱，演奏家们想的都是留下一套十分完美，十分典范的标准演绎。
所谓的标准限制了情感的表达。
没了自己的风格与表达，都在追求完美与标准，在一部分艺术家眼里，这反而是局限了艺术。
他们认为，一味追求标准是本末倒置，会让音乐更加机械，失去了生命的气息。
所以会有人评价这样的录音心态，是一种反艺术的思潮。
演奏时，想的是错一点无伤大雅，主要要让观众听的爽，可录音时却想着要留下标准范本，不要出错，哪怕收敛情绪表达与艺术理解也不要显得太与众不同。
所以，录音缺乏感染力，现场令人情绪激荡。
以往，录音作品与现场作品的获取门槛难度并不会相差太多，并没有什么明显的问题。
有的艺术家会觉得，现场很难反复听，一点错音不重要，那一瞬间的表达和体验更重要，而录音是要被反复听的，小小的错误会被放大。
既然如此，那干嘛不更标准，更范本一点？
争论自然开启。
谢浪便是其中之一。
在谢浪看来，哪怕是会损失录音信息，那这也是科技问题，更何况现在的科技已经足以让钢琴界开始产生改变。
艺术家仍然要回归艺术表达的本质。
以往争论或许强度一般。
但随着科技的发展。
这方面的问题也暴露的越来越深。
都有道理，也都不可或缺，范本作品还是需要有的。
但重要程度，是否要对艺术演奏进行区分，彼此之间众说纷纭。
再加上近些年录音作品的获取以互联网为载体传播的趋势，更让业内对此争执变的无比锐利。
如果说交响作品的录制不在考虑范围内的话.
那李灿打算录制的钢琴专辑对于业内来说就很关键了。
在录音过程中到底是重“表演”还是重“范本”，李灿的个人行为都将会极大的影响业内对此的认知，因为他太重量级了，大家都会学他。
甚至可以延伸到其他音乐领域之中。
原本关注维也纳新年音乐会的业内人士们开始关注起李灿的钢琴专辑。
“唉，也不知道要等到什么
…。。