意料，可偏偏，在音乐性，悦耳性这一块，却保留的极佳，很难给人负面感受。
裂变式走向，看似前卫实则复古的文艺复兴式表达。
在听过以后，get到深层逻辑的观众们释然一笑，开始理解起这首作品为何没有主唱了。
词，在音乐里从来都不是最为重要的。
有词，那是歌曲，而歌曲只占据了音乐的一小部分。
真正重要的是唱，唱才是其中表达声音信息的重要桥段。
歌，不一定要有词，而是要有唱。
大家爱哼哼，很多民歌没有实际歌词，而是哎嗨哟，更是有吟唱这么一说。
歌词，能够表达实质性的故事，具象化的情感形象，但却会禁锢住抽象内容中想象力的延伸。
在《Ego Death》中，唱的部分交给了摇把吉他。
相反。
这样的抽象表达，如果有了实质性表达情感或是意义的歌词，才更会受到局限，没了歌词，反而更加放飞欣赏空间。
而作品中，所表达出来的思想解读，也更让这些观众们所感慨。
并没有自我过剩，过于强调独立，事实上，乐段之间的配合衔接，技巧上的变化十分圆润，就连实验性的音阶都遵循着一种数字规律，而规律，即是“众”。
可在这基础之上，乐段的变化，不同吉他切换的音色，展示出的不同技术，却又在强调着个性。
这仿佛是在阐述一种寻找自我的平衡，达成“自我”与“众”的和解。
正如那稀奇古怪的和弦同样可以在整体中大放光彩，哪怕是奇怪的旋律也可以相得益彰，哪怕是完全不同风格的节奏也可以穿插不同的能量。
世界是变化的，思想是变化的，音乐也是变化的。
尤其是在最后摇把吉他的桥段中，架子鼓的节奏型居然转变成了进行曲，那种一往无前的质感清晰而明朗，配合着清晨主题的舞台设计，如同一场猛烈的重生。
这或许是一种美好的幻想。
拥有自我，但也能在展现差异性自我的同时，不影响他人，甚至益于他人。
包容与被包容，差异与趋同，个性化与大众，能够从对立变为相融，能够彼此成就。
这或许才是解决依赖的办法。
这样的作品，让不少观众激动的想要分享，其中不乏专业人士，更有相当多的人想要对如此具有深度的作品进行拆解。
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